Mon père est parti en douceur, dans sa maison du Capon, avec autour de lui l’ensemble de sa famille, dont sa femme », l’actrice Michèle Morgan, a déclaré à Reuters Renoirpère et fils (peinture et cinéma) « J’ai passé ma vie à essayer de déterminer l’influence de mon père sur moi » confiait Jean Renoir à la fin de sa vie. Au fil d’un parcours foisonnant mêlant tableaux, films, photographies et affiches, le musée d’Orsay explore à l'occasion de l'exposition "Renoir père et fils" cette Lefils de Madonna et de Guy Ritchie vient de célébrer ses 21 ans. L'âge de tous les possibles ! Il a pourtant décidé de prendre un autre nom que celui de sa star de mère et cinéaste de Mêmesi le film s’appelle Renoir, c’est une fille, Christa Théret, qui se trouve au centre des enjeux. Rencontre avec une comédienne qu’on n’a pas fini de voir sur les Delui on connaît surtout sa lignée, le fils, le cinéaste Philippe Garrel, le petit-fils, l'acteur Louis Garrel. Mais qu'importe que le patriarche (1923-2011), cultivant l'effacement, soit Roccoest le fruit de la relation de Madonna avec Guy Ritchie, son époux de 2000 à 2008. Artiste, comme ses parents, le jeune homme est peintre et travaille discrètement en utilisant le pseudonyme Rhed. Il n'est pas le seul à avoir pris l'avion pour découvrir, ou redécouvrir, les beautés qu'offrent la Sicile. Gustaveétait triste. D'une tristesse qu'il autoportraitura dans son atelier (1879-1880) et deux fois de trois quarts gauche (en 1888 et, le cheveu blanchi, en 1892). ox7XzX. “C’était le Gepetto d’ET” expliquait récemment Spielberg. Son père donc; celui qui avait su lui insuffler la vie, ou mieux le pneuma, son souffle vital. Avec Carlo Rambaldi né en 1925 en Emilie-Romagne et mort vendredi 10 à l'âge de 86 ans ce n’est pas seulement l’un des plus talentueux artisan du cinéma qui s’éteint, mais un véritable sorcier. Peintre, sculpteur, bricoleur de génie, Rambaldi a contribué à révolutionner le cinéma euphémisme en donnant vie aux plus grandes créatures du septième art. Resté célèbre pour avoir fait marcher ET, il avait avec HR Giger créé le xénomorphe d’ disait sorcier ? On connait la légende en 71, pour une scène rêvée du Venin de la peur, Lucio Fulci avait demandé à Rambaldi d'imaginer des chiens éviscérés. Ses créatures paraissaient tellement réelles que la justice italienne attaqua Fulci pour “torture sur animaux” et Rambaldi dut venir au tribunal avec ses marionnettes pour sauver le cinéaste de la prison et prouver que tout cela n’était que du cinéma ! Magie d’une époque où le septième art prétendait encore à l’illusion du réel... Et sans rejouer l’éternelle guerre entre l’artisanat et l’industrie numérique, entre Ray Harryhausen et ILM ou bien l’hybris contre la mécanisation, on reconnaîtra que les créatures de Rambaldi avaient une certaine gueule. A une époque où les effets spéciaux ne passaient pas encore uniquement par les prouesses d’un ordinateur, il avait su transformer la matière pour donner corps aux fantasmes des cinéastes. Pape de la mécatronique - cette discipline qui combinait la mécanique, l’électronique et l’ingénierie - il ne cachait pas son mépris pour l’infographie et vantait l’artisanat de son métier “Je suis un créateur d’acteurs mécaniques, qui n’existent pas dans la réalité. Ce qui m’intéresse, c’est la combinaison entre mécanisme, forme et reproduction du mouvement”.Parti d’Italie où il révolutionna l’art du maquillage et des effets spéciaux et imprima sa marque sur le fantastique transalpin des 60’s, son génie fut révélé par Dino de Larentiis et rapidement récupéré par Hollywood Joseph Mankiewicz pour Cléopâtre, John Huston pour La Bible firent appel à lui. Avant que les glorieuses 70’s fassent de lui le roi des SFX successivement, il conçut le King Kong de Guillermin même si sa sculpture de 12 mètres apparait finalement peu dans le film, les Greys de Rencontres du troisième type l’Alien, ET et les vers de Dune. ET et Alien lui vaudront l’Oscar des meilleurs effets spéciaux. Mais à côté de ces classiques, les cinéphiles se souviendront aussi de la pieuvre qui attaque Isabelle Adjani dans le fantasme de Possession ou du masque-tuba qu’il avait imaginé pour Danger Diabolik de Mario Bava cinéaste avec lequel il travailla étroitement pendant de longues années.C'est un pan entier du cinéma fantastique qui disparaît aujourd'hui et la mort de Carlo Rambaldi laisse les créatures les plus folles du septième art définitivement orphelines. Article écrit par La vie suicidée de Vincent Van Gogh selon Maurice Pialat la tristesse durera-t-elle toujours ? À la fin de À nos amours 1983, le personnage joué par Maurice Pialat réapparaît pour régler ses comptes avec sa famille et leur parler un peu de Vincent Van Gogh Quand Van Gogh est mort, il a soi-disant prononcé une phrase …. Il a dit La tristesse durera toujours ». La tristesse durera toujours. Et ça me frappait beaucoup cette phrase parce que je me disais mais… En fait, je pensais comme tout le monde. Je croyais que c’était triste d’être un type comme Van Gogh. Alors je crois qu’il a voulu dire que c’est les autres qui sont tristes. Vous pensez pas ? C’est vous qui êtes tristes. » Ces quelques mots que le personnage de À nos amours a pour le peintre hollandais l’aident à illustrer un peu mieux le dégoût qu’il a pour sa femme et son fils ainsi que pour cette tristesse qui durera toujours. Il ne reconnaît plus son fils écrivain qui s’est vendu lui-même pour vendre ses livres, ni sa femme devenue vulgaire, vivant dans une hystérie permanente. Seule sa fille Suzanne Sandrine Bonnaire, encore libre, arrive à échapper à l’œil du père et lui donne un dernier moment de joie avant de le laisser seul. Police 1985 et Sous le soleil de Satan 1987 suivront À nos amours, mais Maurice Pialat pense peut-être déjà à Van Gogh lorsqu’il se trouve en face de Sandrine Bonnaire en 1983. Comme s’il était destiné à vivre seul, à crever seul – la gueule ouverte ou en silence comme le peintre -, le cinéaste courbe le dos dans À nos amours comme Jacques Dutronc dans Van Gogh. Il passe là, un instant, sans que personne ne le remarque. Si la scène finale de À nos amours fait exister le père comme jamais auparavant, pour Vincent Van Gogh, il faudra mourir. Suzanne aime son père mais selon ses mots à lui, elle l’aimerait surtout mort Les gens qu’on aime beaucoup, on voudrait toujours qu’ils soient morts ». De la vie de Vincent Van Gogh, Maurice Pialat choisit de filmer les dernières semaines qui ont précédé son suicide à Auvers-sur-Oise. S’il s’agit d’une période très productive pour le peintre – soixante-dix peintures en un peu plus de deux mois -, le cinéaste porte son regard ailleurs. Les peintures sont bien là, sur le chevalet ou au sol dans l’atelier, mais elles apparaissent comme hors de leur contexte. La toile est grattée, la couleur étalée à la lame des couteaux et les peintures une fois terminées tombent par terre, se salissent et se font transporter sous le bras. Avant d’être un artiste, Vincent Van Gogh est un travailleur, traînant ses outils dans les champs et se tuant à la besogne. Maurice Pialat choisit de ne pas introduire le peintre mais de le filmer là, descendant d’un train et s’installant en pleine campagne dans un hôtel de fortune. Le Vincent Van Gogh célèbre que le spectateur connaît au même titre que Leonard de Vinci ou Pablo Picasso n’est jamais réellement présent dans le film. Le cinéaste utilise cette culture populaire que chacun des spectateurs a pour construire Van Gogh de ses non-dits et de ses absences. Aucune peinture représentée dans le film ne semble avoir plus d’importance qu’un verre de vin, qu’une consultation chez le docteur ou qu’une scène d’amour dans la campagne. Comme c’est le cas dans quasiment tous ses films, le cinéaste tente d’ancrer son film dans le réel – ici, dans la réalité de l’époque. Entre la vie de Vincent Van Gogh, véritablement vécue par l’homme et sa peinture, Maurice Pialat construit son film. Seul, malade et loin de son frère Théo Bernard Le Coq et de sa belle-sœur Johanna Corinne Bourdon, Vincent Van Gogh, sous les traits que lui a donnés Maurice Pialat, traîne ici et là et cherche sa Suzanne. Si aucun moment de joie n’est filmé par Maurice Pialat lorsque Vincent Van Gogh se trouve face à l’une de ses peintures, dès que l’artiste est dégagé de son obligation de peindre, le film prend la lumière de toute part. La jeune Marguerite Alexandra London tombe amoureuse du peintre et grandit à ses côtés, un repas aussi joyeux que celui de Loulou 1980 est organisé dans le jardin du docteur Gachet Gérard Séty et même lorsque son voyage à Paris tourne en pugilat avec son frère, dans un bordel de la ville la vie apparaît tout de même, criarde et rieuse. La Suzanne de À nos amours est Marguerite mais elle est aussi tous ces instants où Vincent oublie qu’il est Van Gogh. Lorsqu’il se jette dans l’Oise, là même où les impressionnistes aimaient peindre, ou lorsqu’il fait l’amour avec Cathy Elsa Zylberstein, c’est comme s’il brûlait toutes ses toiles. La peinture comme moment de joie n’est présente que lorsqu’elle vit concrètement dans le réel à travers des gestes simples Johanna filmée comme une baigneuse d’Edgar Degas ou les balades dominicales à la manière d’Auguste Renoir. Les peintres, les artistes, c’est les autres. Théo ne cesse de lui rappeler et Maurice Pialat également lorsqu’il le filme à nouveau seul, contraint de retourner à une condition qui le tue. Ne pouvant plus peindre mais forcé de continuer à cause de tous ces yeux qui le regardent, Vincent Van Gogh se tire une balle de revolver dans le ventre et meurt en silence en tenant la main de son frère. Théo mourra six mois plus tard. L’amour présent dans la famille de À nos amours et entre Vincent et son frère devrait les protéger de tout. Ce ne sera jamais le cas et c’est de là que vient la déchirure. Gérard Depardieu terrorisé comme un gosse quand se termine Loulou est seul chez lui et ne sachant plus qui regarder, fixe dans un dernier plan la caméra. Peut-être qu’il se demande qui viendra lui tenir la main à lui. La tristesse durera donc toujours ? Si Maurice Pialat a tué Vincent Van Gogh, déjà la vie reprend. Les enfants jouent à la marelle, les femmes lavent le linge dehors et il va bientôt être l’heure de passer à table. Un peintre demande à Marguerite si elle a connu Van Gogh et la jeune fille lui répond que c’était un ami. Mon père est parti en douceur, dans sa maison du Capon, avec autour de lui l’ensemble de sa famille, dont sa femme », l’actrice Michèle Morgan, a déclaré à Reuters Danièle Thompson, la fille du a précisé que la santé de son père s’était considérablement dégradée ces derniers mois, qu’il était aveugle et Oury sera inhumé lundi au cimetière du Montparnasse à Paris, cérémonie qui devrait attirer de nombreux admirateurs du cinéaste. Il laisse un patrimoine considérable, il est tout à fait normal que ceux qui l’ont aimé puissent venir lui rendre un dernier hommage », a précisé sa président Jacques Chirac a fait part de sa grande émotion » et salué la mémoire d’un réalisateur et scénariste immensément populaire, acclamé par le public, maître du rire et de la bonne humeur », d’un formidable créateur de mythes ». Pour lui, les films de Gérard Oury font partie intégrante de notre culture et de notre imaginaire. Ils nous rappelleront toujours le souvenir d’un cinéaste extraordinairement doué, qui était aussi un homme de coeur et un véritable humaniste ».Le Premier ministre Dominique de Villepin, en visite dans le Finistère, a fait part de sa peine » et de sa tristesse ». »Je perds un ami et la France perd un de ses grands cinéastes, une grande figure du cinéma français. La Grande Vadrouille, Le Corniaud et Rabbi Jacob sont dans toutes les mémoires, cela fait partie du patrimoine des familles françaises, de ses films qu’on voit et revoit avec un bonheur identique », a dit le Premier ministre. »Gérard Oury est aussi un merveilleux représentant de l’esprit français, de l’humour, de la générosité, de la tendresse, avec des scènes mémorables qui appartiennent presque à nos vies », a-t-il poursuivi. Le maître du duo comiqueSorti en décembre 1966, La Grande Vadrouille, avec en vedette Louis de Funès et Bourvil, irrésistible duo comique déjà réunis dans Le Corniaud, avait attiré plus de 17 millions de spectateurs – le plus gros succès en France jusqu’à la sortie de Titanic en Oury naît le 29 avril 1919 à Paris, fils d’un violoniste, Serge 17 ans, il suit les cours de René Simon et entre au Conservatoire aux côtés de Bernard Blier et François Périer. Pensionnaire de la Comédie française en 1939 et 1940, il monte sur scène dans Britannicus mais doit bientôt fuir les lois antijuives du régime de Vichy et partir pour la en France après la guerre, il joue au théâtre tout en abordant quelques seconds rôles au cinéma, et passe à la réalisation en 1959 en tournant La Main 1961, Le Crime ne paie pas, avec Louis De Funès, est son premier succès comme ans plus tard, les pérégrinations en Italie et dans le sud de la France de son corniaud », Antoine Maréchal Bourvil, manipulé par l’ignoble trafiquant Léopold Saroyan De Funès, sont un succès phénoménal, avec 12 millions de confirmé et dépassé par La Grande Vadrouille près de trois ans plus tard, une comédie sur fond d’occupation allemande, avec un aussi époustouflant qu’irritant Louis de Funès en chef d’orchestre irascible, Stanislas Lefort, et un Bourvil aussi tendre que benêt, le peintre en bâtiment Augustin sont ensuite Le Cerveau 1968, La Folie des grandeurs qui réunit en 1971 Louis de Funès et Yves Montand, Les Aventures de Rabbi Jacob 1973, L’ As des As 1982 avec Jean-Paul Belmondo, toujours de grands succès Oury réalise deux films avec le blond feu follet Pierre Richard, La Carapate 1978 et Le Coup du parapluie 1980. Ce sont ensuite des comédies comme La Vengeance du serpent à plumes, Vanille fraise, La Soif de l’or, qui rencontrent moins de films s’espacent peu à peu. En 1993, Gérard Oury reçoit un César d’Honneur. En 1996, il signe Fantôme avec chauffeur, avec comme vedettes Philippe Noiret et Gérard Jugnot, puis en 1999 Le 2001, le Festival de Cannes lui rend hommage en lui remettant un Trophée du Festival ».

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